In der Sonderausstellung von Ulf Langheinrich (D/AT) "Immersion - Selected Works 2005 - 2015" wird eine Auswahl seiner abstrakt-immersiven Installationen gezeigt. Zudem wird ein neues, eigens auf die Ausstellung hin realisiertes Werk "I miss you" vorgestellt. Nach verschiedenen Stationen weltweit ist dies die erste Ausstellung in der Schweiz mit seinen abstrakt-immersiven Werken. 
Neben den Installationen wird ergänzend eine kleine Auswahl seiner Arbeiten der Malerei aus den 90er Jahren gegenübergestellt, womit eine medienübergreifende Sicht auf sein Gesamtwerk entsteht.

Ulf Langheinrich gilt weltweit als einer der Begründer der audiovisuellen Raumkunst. Das Phänomen der Immersion - Eintauchung - zieht sich durch seine Arbeiten hindurch. Seine multimedialen Installationen bilden eine visuelle und akustische Einheit, in der zugleich der physische Raum und darin projiziertes Licht eine markante Präsenz aufweisen.
So entsteht eine Gesamtkomposition, in der sich digitale und analoge Elemente verflechten und einen experimentellen Raum schaffen. Insbesondere die 3D Installationen LAND und NO LAND I, III integrieren diese verschiedenen Elemente in bezeichnender Art und Weise.
Alineare Strukturen, die in Langheinrich's zwei- und dreidimensionalen Installationen, aber auch in anderer Form in früheren Arbeiten der Malerei, auf vielfache Weise hin zu oszillierenden Strukturgebilden verdichtet werden, lassen die Immersion in einer neuen künstlerischen Dimension erfahrbar machen.  

Mit dieser Ausstellung wird das kuratorische Profil des Kunstraums in verschiedener Hinsicht besonders unterstrichen.

Thomas Keller, Kurator

Werkliste/Saalplan (pdf)
Flyer (pdf)
epidemic.net
ulflangheinrich.com
granularsynthesis.info

Eine Lichtung im Wald, hell, fast grell – ein leises Rauschen – zugleich ein überraschender Einbruch in die vertraute Welt – eine neue Wirklichkeit schaffend – dann ein Ruhepol, ganz für sich. TOGO ist vielleicht alles zusammen, nah und zugleich weit entfernt, ein geheimnisvoller Ort – aber vor allem die beeindruckende Ausstellung von Maja Rieder und Patrick Steffen.

Die grossformatigen Bilder von Rieder – O.T. (Zeichnung auf Gelb), STELLA, OUBLIER u.w. – lassen für sich sowie zusammen mit den installativen Grafit-Arbeiten von Steffen – ACHT LOCKEN, SEE ME FEEL ME TOUCH ME HEAL ME, O.T. (DÉFORMATIONS) u.w – einen Raum entstehen, der zum Eintauchen einlädt. Die Werke stehen für sich und zugleich in Beziehung zueinander. Ein nie abgeschlossener Dialog zwischen den Künstlern wird aufgegriffen und ausgeweitet. Strukturen, Farbfelder- und Nuancen, Falten und Lichtspiegelungen auf und in Papier bringen ein oszillierendes Geschehen zum Vorschein – in immer wieder neuen Ausprägungen.

In der Ausstellung fokussieren wir auf ganz neue Arbeiten von Rieder und Steffen, ein grosser Teil der Werke ist 2014 entstanden, einige davon werden das erste Mal gezeigt – oder wieder neu aufgegriffen und in der Neu-Konstellation das erste Mal vorgestellt.

Ein spannender Kreuzungspunkt beider Positionen ist die Verwendung des Materials Papier – in den Objekten und Installationen von Steffen wie auch den Bildern von Rieder:
Steffen bearbeitet die Papierflächen mit Grafit – in gleichmässigen Zügen mit dem Grafitstift und Lineal als Anschlagsfläche. Die Papierflächen weisen unterschiedliche Grössendimensionen auf: das grösstmögliche Format, so in seiner neusten Arbeit, bestimmt sich darüber, wie hoch er mit dem Grafitstift, stehend, seine Bahnen ziehen kann. Das Papier bearbeitet er auf beiden Seiten, am Schluss entsteht eine eigentümliche Verflechtung in der Wahrnehmung: schimmerndes Metall gepaart mit einer Leichtigkeit, so als ob das Objekt im Raum schwebt. Die unregelmässigen Wellen werden dabei durch die verschiedenen Nuancen des Lichteinfalls – und der Bewegung des Betrachters – verstärken, hin zu alinearen, nie abgeschlossenen Strukturen, die sich übereinanderlagern – hin zu einem oszillierenden Geschehen, das still und zugleich in ständiger Bewegung als Gesamtkompositionen seine immersive Kraft im Raum entfaltet.
Rieder geht in der Ausgangslage von grossformatigen Papierflächen – 2 mal 2m – aus, die, analog zur  Leinwand, auf den Holzrahmen gespannt sind. Sie malt mit Tusche und Gouache in unmittelbarer Form des Farbauftrags: mit einem Stofflappen oder breitem Pinsel, direkt auf dem Untergrund, zieht sie ihre Bahnen auf dem Papier – lange, immer wieder. Die tiefe Hängung der Arbeiten verstärkt diese Unmittelbarkeit der Wahrnehmung, die sich bereits im Farbauftrag zeigt. Mit intensiven Tusch- und Gouache-Tönen entstehen Strukturen in weiten Feldern, die sich in Schichten über Schichten verdichten. Das Endresultat ist eine eigentümlich starke Präsenz. Die Werke ergreifen den Raum – und lassen ihn nicht mehr los. Sie sind da oder nicht. Es gibt kein Dazwischen. Sie schaffen einen eigenen Raum – der auch den Objektcharakter der installativen Arbeiten von Steffen aufgreift und weiter unterstreicht. Umgekehrt verstärkt die Präsenz der Grafit-Objekte im Raum die Räumlichkeit der Bilder von Rieder. Sie setzen mit ihrem künstlerischen, abstrakten Schaffen ein Statement, das zeitlos ist.

Aus kunstphilosophischer, werkästhetischer Sicht zeigt sich weiter, dass beide Positionen in unterschiedlicher Weise am philosophischen Grundlagenmotiv der alinearen Struktur des Lebendigen – der Grundinstanz des Seins / des Wirklichen – anknüpfen: Das ästhetische, abstrakte Motiv der alinearen Struktur des Lebendigen – sei es direkt in der Präsenz des Farb- und Grafitauftrags oder auf verschiedenen Ebenen innerhalb der Gesamtkomposition – wird im künstlerischen Bearbeitungsprozess in sich übereinanderlagernden Schichten verdichtet hin zu einem experimentellen Raum. Oder anders: die Grundinstanz des Seins / des Wirklichen wird künstlerisch potentiert hin zu einer neuen Wirklichkeit – es entsteht ein neuer experimenteller Raum.

Zwei Positionen, die mit dem Medium des Papiers in eigensinnigen Bearbeitungen neue Wege gehen, lassen Kompositionen entstehen, die sich mit eigentümlicher Präsenz im Raum entfalten. Mit dem kuratorischen Konzept des Dialogischen werden deren Berührungspunkte ausgelotet.

Und dann? STAND BY. In der Ausstellung im dritten Raumbereich, neben dem zentralem Raum und dem fragmentarischen Rundgang, ist eine Installation von Steffen verortet, STAND BY, die er in einer neuen, eher harmonischen  Anordnung präsentiert. Sie markiert einen Ruhepool. Ein Ort für sich, der in seiner harmonischen Ausrichtung als ein ruhiger Gegenpol zur gesamten Ausstellung besteht und anzieht – oder genau das Gegenteil auslöst. Auf jeden Fall lässt auch er nicht unberührt und hat in der kuratorischen Vorbereitung schon zu intensiven Kontroversen geführt – die Installation ist ein Experiment, das Fragen aufwirft – und das ist gut so.

Seien Sie herzlich eingeladen in den Kunstraum Florenz.

Thomas Keller, Kurator

Siehe auch ARCHIV VERANSTALTUNGEN: Konzert / Projektion von Fritz Hauser und Patrick Steffen, im Kontext der Ausstellung von Rieder und Steffen.

Saalplan togo mit Werkangaben (pdf)
Flyer (pdf)
Website Maja Rieder, Website Patrick Steffen

Ein Hauch einer Farbschicht, verschlungene Wege, helle Lichtungen - dunkle Abgründe - und viel dazwischen. Die Arbeiten der Malerei von Karin Aeschlimann hängen an der Wand - und doch auch nicht. Sie sind im Raum und formen ihn zugleich - sie gehen weit über den Bildrand hinaus und fordern auf, einzutreten.
Karin Aeschlimann malt mit Acryl und Gouache oder auch mal mit chinesischer Tusche auf der rohen, unbearbeiteten Leinwand - direkt auf dem Leintuch. Ein abstrakter Ausdruck, der sich ständig erweitert: in früheren Werken sind es mehr Farben und Flächen, die sich zudem verstärkt symmetrisch aufeinander beziehen. In späteren und vor allem aktuellen Arbeiten wird die Handschrift zunehmend radikaler. Farben werden weniger, manchmal bestehen nur noch schwarze Elemente auf dem weissen/beigen Hintergrund der Leinen - die Formen sind reduzierter, es entsteht ein erweiterter Raum - in vielschichtigen, scharfen Kontrasten - die Strukturmotive treten in den Vordergrund, zum Teil nur noch einzelne Fraktal-Elemente - sonst nichts. Hinzu kommt, dass die Symmetrien langsam verschwinden. Die letzte narrative Grösse - die Symmetrie selbst - wurde von Aeschlimann langsam aufgegeben - und reduziert auf minimalste, grundlegendste Strukturen: nie abgeschlossene Strukturen des Lebendigen in ihren visuell-vielschichtigen Verdichtungen eröffnen einen neuen experimentellen Raum.
Ganz unerwartet und überraschend kann aber auch jederzeit ein Richtungswechsel der Radikalität ihrer Handschrift hin zum gegenüberliegenden Pol eine nächste Phase einläuten - eine ständige Bewegung - ein ständiges Werden.
Falten und unterschiedliche Texturen der Leinenoberfläche bilden eine zentrale Ausgangslage im Prozess ihres Schaffens. Das Experimentieren mit dem Leinen-Material selbst verfolgt Aeschlimann schon lange - undesverstärkt schon auf der physischen Ebene den räumlichen Anspruch ihrer Arbeiten. Diese physische Tiefe erweitert die ästhetische Dimension von Räumlichkeit, die in ihren Werken herausfordert - und zur Immersion einlädt.
In der Werkschau von Karin Aeschlimann setzen wir den Schwerpunkt auf ihr aktuelles Schaffen - hauptsächlich werden neue, noch nie gezeigte Werke präsentiert. Ihre zunehmend kompromisslosere abstrakte Ausdrucksweise bündelt sich in filigranen Falten und Schatten, zerrissenen Farbschichten und Leintuch-Fetzen, minimalsten Farbaufträgen und spannungsgeladenen Kontrasten, über- und ineinander geschichteten Strukturen - kurzum in einer Form von Raum, auf die man gespannt sein kann.

Thomas Keller, Kurator