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23. Januar bis 13. März 2016

FORMATION OF PATTERNS

Die dialogisch angelegte Gruppenausstellung «Formation of Patterns» mit Nici Jost, Jelena Savic, Jorim Huber und Robert Kirchner (ausgewählte Studierende und Absolventen des Institut Kunst, HGK) versammelte Raum-Installationen, die den Prozess der Entstehung von Strukturen und Mustern in ihrer Unabgeschlossenheit beleuchten. Die raumbezogenen Arbeiten verwebten im Zusammenspiel von Objekt, Licht, Projektion und Akustik strukturelle Motive und narrative Andeutungen innerhalb und zwischen den Arbeiten.

Im unmittelbaren Bezug zur kuratorischen Ausrichtung des Kunstraums wurden hier abstrakte Motive und ihre Übergänge in medienübergreifender audiovisueller Raumkunst ausgelotet. Die Installationen eröffneten einen am physischen Raum anknüpfenden, immateriellen Raum. Die Bewusstwerdung von Strukturbildung in der Erzeugung eines neuen experimentellen Raumes stand im Vordergrund und forderte den Rezipienten auf, einzutreten.

Die Arbeiten der vier KünstlerInnen wurden alle auf die Ausstellung im Kunstraum hin realisiert – und das erste Mal gezeigt.

Thomas Keller, Kurator

Flyer

Werkliste/Saalplan

Websiten KünstlerInnen: 
Nici Jost, Jorim Huber, Robert Kirchner, Jelena Savic

Verweis auf die damalige Ausstellung «raum | space» mit Nici Jost (u.w.) von balzer projects. Die dort ausgestellten Arbeiten «Image of Waiting Room to Wonderland» (2015, Fotografie zwischen Acrylglas) und «Model of Waiting Room to Wonderland» (2016, Holz, Dispersionsfarbe, Lack) von Nici Jost wiesen einen direkten Werkbezug zu ihrer eigens auf die Ausstellung im Kunstraum hin realisierten Rauminstallation «Waiting Room to Wonderland» (2015, Dispersionsfarbe, Teppich, Projektion) auf. Sie bezogen sich gegenseitig aufeinander.
balzerprojects.com/raum-space

Bilder Vernissage

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28. November 2015 bis 9. Januar 2016

REGIONALE 16

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28. November 2015 bis 9. Januar 2016

REGIONALE 16

Kunstraum Florenz als Regionale Standort:
M54 visarte Satellit Kunstraum Florenz
Das kuratierte Programm in der Auswahl der eingereichten Dossiers wurde auf den Schwerpunkt im Profil des Kunstraums ausgerichtet: der Fokus liegt auf abstrakten Tendenzen medienübergreifender, audiovisueller Raumkunst, kuratiert von Thomas Keller und Eveline Schüep.
In der Kooperation mit visarte region basel wird die Einheit M54 und Kunstraum Florenz erstmals als dualer Regionale-Standort erprobt.
Der Kunstraum fungiert dabei unter dem Label "M54 visarte Satellit Kunstraum Florenz". Beide Orte werden jeweils mit einem eigenständigen Ausstellungsprogramm von einem Zweier-Kuratoren-Team bespielt. Der Kunstraum übernimmt den Part der audiovisuellen Raumkunst - dabei stehen vor allem medienübergreifende Arbeiten im Vordergrund, die Objekt, Raum, (Video- oder Licht-) Projektion und Ton vereinen.

Licht und Schatten zwischen Verkörperung und Auflösung
Ausgewählt wurden audiovisuelle Installationen, die mit der dritten Dimension arbeiten – sei es der Raum, das Objekt oder die Interaktion mit dem Betrachter. Dabei wird auf Werke fokussiert, in denen die Kunstschaffenden das nicht-figurative Potential der verwendeten Medien im Spannungsfeld von Projektion und Materialität ausloten. Die entstehenden Raum-Bilder oszillieren zwischen Verkörperung und Auflösung.

Im mehrstufigen Auswahlprozess der 608 eingereichten Dossiers wurden sieben Arbeiten von sieben Künstlern ausgewählt, woraus eine vielschichtige Gruppenausstellung realisiert werden konnte, siehe Regionale-Dossier.

Flyer
Werkliste/Saalplan
FORMBIT Dokumentation Ted Davies 
Website Regionale 16

Bilder Vernissage

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Bilder Ausstellungsrundgang und Künstlergespräch mit den KuratorInnen

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Bustour

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5. JUNI BIS 3. OKTOBER 2015 - VERLÄNGERT BIS 17. OKTOBER 2015

Immersion, Selected Works 2005-2015 | Ulf Langheinrich

In der Sonderausstellung von Ulf Langheinrich (D/AT) "Immersion - Selected Works 2005 - 2015" wird eine Auswahl seiner abstrakt-immersiven Installationen gezeigt. Zudem wird ein neues, eigens auf die Ausstellung hin realisiertes Werk "I miss you" vorgestellt. Nach verschiedenen Stationen weltweit ist dies die erste Ausstellung in der Schweiz mit seinen abstrakt-immersiven Werken. 
Neben den Installationen wird ergänzend eine kleine Auswahl seiner Arbeiten der Malerei aus den 90er Jahren gegenübergestellt, womit eine medienübergreifende Sicht auf sein Gesamtwerk entsteht.

Ulf Langheinrich gilt weltweit als einer der Begründer der audiovisuellen Raumkunst. Das Phänomen der Immersion - Eintauchung - zieht sich durch seine Arbeiten hindurch. Seine multimedialen Installationen bilden eine visuelle und akustische Einheit, in der zugleich der physische Raum und darin projiziertes Licht eine markante Präsenz aufweisen.
So entsteht eine Gesamtkomposition, in der sich digitale und analoge Elemente verflechten und einen experimentellen Raum schaffen. Insbesondere die 3D Installationen LAND und NO LAND I, III integrieren diese verschiedenen Elemente in bezeichnender Art und Weise.
Alineare Strukturen, die in Langheinrich's zwei- und dreidimensionalen Installationen, aber auch in anderer Form in früheren Arbeiten der Malerei, auf vielfache Weise hin zu oszillierenden Strukturgebilden verdichtet werden, lassen die Immersion in einer neuen künstlerischen Dimension erfahrbar machen.  

Mit dieser Ausstellung wird das kuratorische Profil des Kunstraums in verschiedener Hinsicht besonders unterstrichen.

Thomas Keller, Kurator

Werkliste/Saalplan (pdf)
Flyer (pdf)
epidemic.net
ulflangheinrich.com
granularsynthesis.info

Bilder Ausstellung

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Bilder Vernissage

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Bilder Konzert, Künstlergespräch

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6. Februar bis 19. März 2015, VERLÄNGERT bis 25. April 2015

out of shape | Yvonne Mueller und Jean Claude Houlmann

lat. abstractus – vom Einzelnen absehend, vom Gegenständlichen losgelöst. Der Begriff des Abstrakten wird hier in seiner ursprünglichen Wortbedeutung aufgegriffen. Das Semantische im Vertrauten entschwindet – wird zu etwas Neuem, doch nie ganz, ansonsten würde es nicht wahrgenommen werden – nicht existieren. Wenn durch unerwartet einbrechende Ansprüche von aussen Vertrautes sich langsam auflöst, fremd wird, entsteht Neues – das jedoch nie ganz fremd ist. Diese Auflösung der Form zeigt sich in den Werken von Mueller und Houlmann – und durchdringt sie.

In der letzten Ausstellung des laufenden, auf regionale Positionen ausgerichteten, Ausstellungszyklus, in dem zwei- und dreidimensionale Arbeiten in Einzel- und dialogischen Ausstellungen, im Rahmen des medienübergreifenden Schwerpunktes auf abstrakte Tendenzen, präsentiert werden, ist der Beitrag von Yvonne Mueller und Jean Claude Houlmann zu sehen.
In ihrer Ausstellung, die - wie die vorherige - im dialogischen, kuratorischen Konzept angelegt ist, sind die inhaltlichen Berührungspunkte im Motiv der Auflösung der Form verankert. Yvonne Mueller löst die Form vom Bild im Abbild auf – Jean Claude Houlmann in der Übereinanderlagerung von Strukturen. 

Yvonne Mueller (CH), von der Malerei herkommend, widmet sich dem Raum und spielt mit ihm. Ihre eigensinnige, experimentierfreudige Handschrift, die sich zwischen Bild und Abbild bewegt und dazwischen einen neuen Raum kreiert, ist in ihrem Beitrag der Ausstellung unverkennbar – in bekannten Werken sowie in ihren drei neuen Arbeiten im Kunstraum Florenz, die auf den Innen- und Aussenraum direkt bezogen sind (O.T., HELSINKI und FLORENZ, 2015).
Mueller verwendet als Quelle jeweils Ausschnitte ihrer Fotografien von Raum und Architektur. Diese Fotografien sind der erste Schritt ihres Produktionsprozesses. Die Übertragung des ausgewählten fotografischen Ausschnitts mit Bleistift (oder Tusche) auf das Papier oder die Wand ist eine Reduzierung auf die im Foto bestehenden räumlichen und architektonischen Strukturen. Die Strukturmotive erlangen so eine eigene Präsenz und erfahren durch den spannungsgeladenen Übergang und Kontrast von Bild zu Abbild eine zusätzliche Verdichtung. Der reale Kontext des Raums wird überführt in eine experimentelle Dimension. So in der neuen, auf den Innen- und Aussenraum des Kunstraums bezogenen Arbeit O.T., 2015, in welcher ein Ausschnitt einer Fotografie des gegenüberliegenden HGK-Gebäudes das Quellenmaterial bildet. Der auf dem Foto bestehende grau-weisse Farbton der Fassade des Gebäudes wurde auf die Wand im Kunstraum übertragen und bildet die Grundlage für das zweite zentrale Element der Arbeit: feine Bleistiftstriche der Übertragung und Weiterführung der Ecken und Kanten des Gebäudes. Die Struktur der Graphit-Striche sowie die reduzierten Linien und Formen gestalten das fragmentarische Abbild, im Kontrast zum Quellenmaterial, hin zu einem neuen Raum im Raum. Die vertrauten Formen der Architektur im Fotoausschnitt lösen sich langsam auf und lassen neue Formen entstehen.
In der Objekt-Arbeit von Mueller (O.T., 2014) ersetzt das reale Objekt des horizontal angeordneten  Wandausschnitts mit Lamperie im Raum den Fotoausschnitt der zweidimensionalen Arbeiten – und setzt die Umwandlung von Raum auf dieser Ebene fort. 

Die Fragen zur Auflösung und Neuschaffung von Form und Struktur treten, in anderer Weise, auch in den Werken von Houlmann auf. Der in der abstrakten Visuellen Kunst verankerte Jean Claude Houlmann (CH/D) arbeitet seit zwei Jahren an einer neuen Serie, die kurz vor der Ausstellung fertig geworden ist und in seinem Beitrag der Ausstellung ausschliesslich im Vordergrund steht. Im kuratorischen Prozess sind wir uns schnell einig geworden, dass in der Ausstellung auf diese damals noch im Entstehen begriffene Serie fokussiert werden soll. Im Kunstraum Florenz wird diese Serie nun das erste Mal gezeigt.
Die einzelnen Fragment-Formen der Gesamtstruktur der Arbeiten dieser neuen Serie entstehen digital im Computer und werden in einer komplexen Vorgehensweise, mit verschiedenen Lackschichten, auf die MDF Platten übertragen. Hierdurch entsteht eine besondere räumliche Wirkung, da der Kontrast zwischen den hervorgehobenen Formen mit Lack und dem Untergrund der MDF Platte, als hierbei zwei für sich bestehende und zugleich aufeinanderbezogene Materialitäten, besonders zum Ausdruck kommt.
Innerhalb dieser Werke sind zum einen jeweils gleiche Formen innerhalb eines Feldes gebündelt, und von einem solchen Feld bestehen verschiedene mit jeweils unterschiedlichen Form-Fragmenten, zum anderen sind - versprengt über das ganze Bild - einzelne für sich bestehende Fragmente verortet, gleichsam als Splitter, die von aussen einbrechen. Durch den Kontrast der feinen oder stärkeren Abweichungen zwischen den Feldern sowie zwischen den einzelnen Splittern entstehen mehrschichtige Asymmetrien und dadurch lebendige, vibrierende Strukturen – welche durch den (oben benannten) physischen räumlichen Aspekt nochmals verstärkt werden. Die grossformatige Dimension der Arbeiten tut ihr eigenes dazu – es entsteht ein vibrierender, immersiver Raum.

Entstanden ist mit out of shape eine Werkschau in eigenen Schwerpunkten beider Positionen – mit den Synapsen dazwischen. Wir freuen uns auf Ihren Besuch.

Thomas Keller, Kurator


out of shape, 6. Februar bis 19. März 2015 
VERLÄNGERT bis 25. April 2015, Finissage: 25. April, 19 h
Die Vernissage fand am 6. Febr. mit einem Konzert von Klangklinik statt.
Die Finissage wurde mit einem Konzert von Ensemble Nikel - im Rahmen der Oslo Night - veranstaltet.

Saalplan (pdf)
Flyer (pdf)
Yvonne Mueller
Jean-Claude Houlmann
Klanglkinik
Ensemble Nikel
Oslo Night
Archiv Veranstaltungen 

Bilder Ausstellung

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Bilder Vernissage

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Bilder Finissage / Oslo Night

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5. DEZEMBER 2014 – 24. JANUAR 2015

togo | Maja Rieder und Patrick Steffen

Eine Lichtung im Wald, hell, fast grell – ein leises Rauschen – zugleich ein überraschender Einbruch in die vertraute Welt – eine neue Wirklichkeit schaffend – dann ein Ruhepol, ganz für sich. TOGO ist vielleicht alles zusammen, nah und zugleich weit entfernt, ein geheimnisvoller Ort – aber vor allem die beeindruckende Ausstellung von Maja Rieder und Patrick Steffen.

Die grossformatigen Bilder von Rieder – O.T. (Zeichnung auf Gelb), STELLA, OUBLIER u.w. – lassen für sich sowie zusammen mit den installativen Grafit-Arbeiten von Steffen – ACHT LOCKEN, SEE ME FEEL ME TOUCH ME HEAL ME, O.T. (DÉFORMATIONS) u.w – einen Raum entstehen, der zum Eintauchen einlädt. Die Werke stehen für sich und zugleich in Beziehung zueinander. Ein nie abgeschlossener Dialog zwischen den Künstlern wird aufgegriffen und ausgeweitet. Strukturen, Farbfelder- und Nuancen, Falten und Lichtspiegelungen auf und in Papier bringen ein oszillierendes Geschehen zum Vorschein – in immer wieder neuen Ausprägungen.

In der Ausstellung fokussieren wir auf ganz neue Arbeiten von Rieder und Steffen, ein grosser Teil der Werke ist 2014 entstanden, einige davon werden das erste Mal gezeigt – oder wieder neu aufgegriffen und in der Neu-Konstellation das erste Mal vorgestellt.

Ein spannender Kreuzungspunkt beider Positionen ist die Verwendung des Materials Papier – in den Objekten und Installationen von Steffen wie auch den Bildern von Rieder:
Steffen bearbeitet die Papierflächen mit Grafit – in gleichmässigen Zügen mit dem Grafitstift und Lineal als Anschlagsfläche. Die Papierflächen weisen unterschiedliche Grössendimensionen auf: das grösstmögliche Format, so in seiner neusten Arbeit, bestimmt sich darüber, wie hoch er mit dem Grafitstift, stehend, seine Bahnen ziehen kann. Das Papier bearbeitet er auf beiden Seiten, am Schluss entsteht eine eigentümliche Verflechtung in der Wahrnehmung: schimmerndes Metall gepaart mit einer Leichtigkeit, so als ob das Objekt im Raum schwebt. Die unregelmässigen Wellen werden dabei durch die verschiedenen Nuancen des Lichteinfalls – und der Bewegung des Betrachters – verstärken, hin zu alinearen, nie abgeschlossenen Strukturen, die sich übereinanderlagern – hin zu einem oszillierenden Geschehen, das still und zugleich in ständiger Bewegung als Gesamtkompositionen seine immersive Kraft im Raum entfaltet.
Rieder geht in der Ausgangslage von grossformatigen Papierflächen – 2 mal 2m – aus, die, analog zur  Leinwand, auf den Holzrahmen gespannt sind. Sie malt mit Tusche und Gouache in unmittelbarer Form des Farbauftrags: mit einem Stofflappen oder breitem Pinsel, direkt auf dem Untergrund, zieht sie ihre Bahnen auf dem Papier – lange, immer wieder. Die tiefe Hängung der Arbeiten verstärkt diese Unmittelbarkeit der Wahrnehmung, die sich bereits im Farbauftrag zeigt. Mit intensiven Tusch- und Gouache-Tönen entstehen Strukturen in weiten Feldern, die sich in Schichten über Schichten verdichten. Das Endresultat ist eine eigentümlich starke Präsenz. Die Werke ergreifen den Raum – und lassen ihn nicht mehr los. Sie sind da oder nicht. Es gibt kein Dazwischen. Sie schaffen einen eigenen Raum – der auch den Objektcharakter der installativen Arbeiten von Steffen aufgreift und weiter unterstreicht. Umgekehrt verstärkt die Präsenz der Grafit-Objekte im Raum die Räumlichkeit der Bilder von Rieder. Sie setzen mit ihrem künstlerischen, abstrakten Schaffen ein Statement, das zeitlos ist.

Aus kunstphilosophischer, werkästhetischer Sicht zeigt sich weiter, dass beide Positionen in unterschiedlicher Weise am philosophischen Grundlagenmotiv der alinearen Struktur des Lebendigen – der Grundinstanz des Seins / des Wirklichen – anknüpfen: Das ästhetische, abstrakte Motiv der alinearen Struktur des Lebendigen – sei es direkt in der Präsenz des Farb- und Grafitauftrags oder auf verschiedenen Ebenen innerhalb der Gesamtkomposition – wird im künstlerischen Bearbeitungsprozess in sich übereinanderlagernden Schichten verdichtet hin zu einem experimentellen Raum. Oder anders: die Grundinstanz des Seins / des Wirklichen wird künstlerisch potentiert hin zu einer neuen Wirklichkeit – es entsteht ein neuer experimenteller Raum.

Zwei Positionen, die mit dem Medium des Papiers in eigensinnigen Bearbeitungen neue Wege gehen, lassen Kompositionen entstehen, die sich mit eigentümlicher Präsenz im Raum entfalten. Mit dem kuratorischen Konzept des Dialogischen werden deren Berührungspunkte ausgelotet.

Und dann? STAND BY. In der Ausstellung im dritten Raumbereich, neben dem zentralem Raum und dem fragmentarischen Rundgang, ist eine Installation von Steffen verortet, STAND BY, die er in einer neuen, eher harmonischen  Anordnung präsentiert. Sie markiert einen Ruhepool. Ein Ort für sich, der in seiner harmonischen Ausrichtung als ein ruhiger Gegenpol zur gesamten Ausstellung besteht und anzieht – oder genau das Gegenteil auslöst. Auf jeden Fall lässt auch er nicht unberührt und hat in der kuratorischen Vorbereitung schon zu intensiven Kontroversen geführt – die Installation ist ein Experiment, das Fragen aufwirft – und das ist gut so.

Seien Sie herzlich eingeladen in den Kunstraum Florenz.

Thomas Keller, Kurator

Siehe auch ARCHIV VERANSTALTUNGEN: Konzert / Projektion von Fritz Hauser und Patrick Steffen, im Kontext der Ausstellung von Rieder und Steffen.

Saalplan togo mit Werkangaben (pdf)
Flyer (pdf)
Website Maja RiederWebsite Patrick Steffen

Bilder Ausstellung

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Bilder Vernissage

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10. Oktober – 29. November 2014

Karin Aeschlimann - «feldein»

Ein Hauch einer Farbschicht, verschlungene Wege, helle Lichtungen - dunkle Abgründe - und viel dazwischen. Die Arbeiten der Malerei von Karin Aeschlimann hängen an der Wand - und doch auch nicht. Sie sind im Raum und formen ihn zugleich - sie gehen weit über den Bildrand hinaus und fordern auf, einzutreten.
Karin Aeschlimann malt mit Acryl und Gouache oder auch mal mit chinesischer Tusche auf der rohen, unbearbeiteten Leinwand - direkt auf dem Leintuch. Ein abstrakter Ausdruck, der sich ständig erweitert: in früheren Werken sind es mehr Farben und Flächen, die sich zudem verstärkt symmetrisch aufeinander beziehen. In späteren und vor allem aktuellen Arbeiten wird die Handschrift zunehmend radikaler. Farben werden weniger, manchmal bestehen nur noch schwarze Elemente auf dem weissen/beigen Hintergrund der Leinen - die Formen sind reduzierter, es entsteht ein erweiterter Raum - in vielschichtigen, scharfen Kontrasten - die Strukturmotive treten in den Vordergrund, zum Teil nur noch einzelne Fraktal-Elemente - sonst nichts. Hinzu kommt, dass die Symmetrien langsam verschwinden. Die letzte narrative Grösse - die Symmetrie selbst - wurde von Aeschlimann langsam aufgegeben - und reduziert auf minimalste, grundlegendste Strukturen: nie abgeschlossene Strukturen des Lebendigen in ihren visuell-vielschichtigen Verdichtungen eröffnen einen neuen experimentellen Raum.
Ganz unerwartet und überraschend kann aber auch jederzeit ein Richtungswechsel der Radikalität ihrer Handschrift hin zum gegenüberliegenden Pol eine nächste Phase einläuten - eine ständige Bewegung - ein ständiges Werden.
Falten und unterschiedliche Texturen der Leinenoberfläche bilden eine zentrale Ausgangslage im Prozess ihres Schaffens. Das Experimentieren mit dem Leinen-Material selbst verfolgt Aeschlimann schon lange - undesverstärkt schon auf der physischen Ebene den räumlichen Anspruch ihrer Arbeiten. Diese physische Tiefe erweitert die ästhetische Dimension von Räumlichkeit, die in ihren Werken herausfordert - und zur Immersion einlädt.
In der Werkschau von Karin Aeschlimann setzen wir den Schwerpunkt auf ihr aktuelles Schaffen - hauptsächlich werden neue, noch nie gezeigte Werke präsentiert. Ihre zunehmend kompromisslosere abstrakte Ausdrucksweise bündelt sich in filigranen Falten und Schatten, zerrissenen Farbschichten und Leintuch-Fetzen, minimalsten Farbaufträgen und spannungsgeladenen Kontrasten, über- und ineinander geschichteten Strukturen - kurzum in einer Form von Raum, auf die man gespannt sein kann.

Thomas Keller, Kurator

Bilder Ausstellung

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2. Mai bis 12. September 2014

Carlos Varela - «Chroma»

Zur Werkschau des New Yorker / Basler Künstlers Carlos Varela

Mit der Ausstellung  "Chroma" wird ein Überblick über Varelas aktuelles Schaffen gegeben wie auch Bezüge zu früheren Werkphasen und Serien hergestellt.

Seine vielschichtigen, visuell-digitalen Bearbeitungsstrategien lassen Kompositionen entstehen, die auf grossformatigen Bildern zur Immersion einladen. Seine abstrakten Positionen verdichten sich durch narrativ geprägte Fragmente - und lassen eine spannungsgeladene Gratwanderung dazwischen entstehen - mit ganz unterschiedlichen Gewichtungen und Nuancen.

Architektur - Raum - Licht - Farbe - Abstraktion
Carlos Varela arbeitet mit visuellen, elektronisch-medialen Mitteln. Der Ausganspunkt seiner Arbeiten sind entweder ausgewählte Videostills oder Photographien. Das der Auswahl zugrundeliegende Original-Material Varela's an Videosequenzen und Photographien entsteht an unterschiedlichsten Orten der Welt - urbane Räume, Städte - und ist der erste entscheidende Schritt in seinen Arbeitsprozessen. Es kristallisiert sich aus langen, suchenden, konzentrierten Beobachtungen von gelebten architektonischen Räumen und Strukturen heraus - vorbeigehende Passanten beispielsweise an belebten, architektonisch geprägten Orten urbaner Räume. Er experimentiert mit der Kamera - es beginnt mit dem, was er durch das Objektiv beobachtet. In der Stadt. Als New Yorker fühlt er sich ganz und gar wohl im Urbanen. Er fühlt sich wie ein stiller, unsichtbarer Beobachter, der sich auf die Umgebung - auf die Präsenz von Licht, Farben, Raum und Bewegung konzentriert. 

Die ausgewählten Momentaufnahmen vereinen beide Ebenen: Eine alineare, unabgeschlossene Struktur der Architektur und Materialität des Raumes wird verdichtet durch die lebendige Bewegung des Vorbeigehens und Verweilens. Licht und Farbe spielen eine wichtige Rolle, sind oft im Vordergrund: Lichtfetzen, in schillernden Farben, die einbrechen - ein filigranes Spiel von Licht und Schatten, das den Raum - die Situation für einen Moment radikal in Frage stellt und neu gestaltet.

Die visuellen Überschneidungen und Verflechtungen der lebendigen Strukturen architektonischer Gebilde und menschlicher Silhouetten in den Momentaufnahmen Varelas werden dann durch seine  künstlerische digitale Bearbeitung, und deren vielschichtigen Verfremdungen, verdichtet bis hin zu fraktalen, oszillierenden Strukturen des Lebendigen - in unendlichen Farb-Nuancen. Es entstehen neue experimentelle Räume.

Eine jeweils abschliessende Stufe dieses Prozesses - und als deren Potentierung zugleich - bildet die Oberfläche des Material selbst, worauf Varela druckt: hauptsächlich auf Leinen. Dessen Textur unterstützt den Effekt des elektronischen Bildes, indem sie einen matten Effekt hervorbringt, weil das Pigment oben auf dem Leinen aufliegt, und die Farben intensiver macht. Durch die Struktur der Textur auf der Leinwand werden seine ästhetischen Grundmotive weiter verstärkt. Zudem erzeugt diese Textur eine neue Räumlichkeit, da sie dem Bild eine eigentümliche Raumtiefe verleiht. Die dadurch entstehende Unmittelbarkeit gegenüber dem Werk macht den experimentellen Raum in seiner Weite erst wahrnehmbar - und fordert zum Eintauchen auf. Ein immersiver Appell als Einbruch und Aufbruch zugleich.

Analog - Digital
In der Verwendung des Materials der Leinwand entsteht eine spannende Paradoxie - die Leinwand kommt aus der traditionellen Malerei und wird in einem elektronischen Medium verwendet. In seinem frühen Schaffen hat Varela ausschliesslich mit "analogen", traditionellen Mitteln gearbeitet, und zwar denen des Siebdrucks. An einem bestimmten Punkt seines Schaffens jedoch stellte er die traditionellen Mittel kompromisslos in Frage stellte - und beschloss, mit einem radikalen Schnitt zu experimentieren: "Sieb und Rakel" durch "Computer und Maus" zu ersetzen. Er experimentierte mit den neuen virtuellen Möglichkeiten und wendete sich dann in seinem Schaffen (2004) ganz dem elektronischen Bild zu. Es eröffnete sich ihm eine neue Welt mit den enormen Möglichkeiten der digitalen Parameter - zugleich blieb das Übergangsgeschehen vom Analogen zum Digitalen nie ganz aus dem Blick. Varela setzte seine Arbeit fort - einzelne Elemente der vorherigen analogen Arbeitsweise bildeten zentrale Übergangspunkte, so die Leinwand - und konzentrierte sich auf das neu gewonnene digitale Potential. Zeitgleich kamen in der Entwicklung des "digitalen Zeitalters" markante Veränderungen auf (selbst das Siebdruckverfahren wurde digital erweitert), die Varela auf der visuellen Ebene - Video, Photographie und Bildbearbeitung - produktiv in seine Arbeitsprozesse integrierte.

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17. JANUAR – 15. APRIL 2014

Walter Derungs
Part one

Walter Derungs arbeitet mit Photographie und installativ räumlichen Elementen. Seine vielschichtigen experimentellen Auseinandersetzungen mit Raum und Architektur zeigen Dimensionen von Räumlichkeit, die sich in ihrer Präsenz zuerst einmal entzieht - unantastbar wirkt. Die Intensität der feinen Kontraste von Licht und Schatten im Raum - am Objekt - lassen neue experimentelle Räume entstehen. Walter Derungs zeichnet Grenzgänge zwischen abstrakten und narrativen Ansätzen auf - eine Verflechtung, die in unterschiedlichen Schwerpunkten ihren Ausdruck findet. 

Flyer Ausstellung
Zur Website von Walter Derungs

Bilder Ausstellung

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30. August– 29. November 2013

Monique Jansen
Abstrakte Positionen, Malerei und Fotografie

Monique Jansen bewegt sich in beiden Medien - Malerie und Fotografie - gleichermassen. Die abstrakten Motive als Grundlinie in ihrem künstlerischen Schaffen finden sich in der Malerei wie auch in Arbeiten der Fotografie. Innerhalb der Fotografie betont sie auch oft das Übegangsgeschehen zwischen figurativen und abstrakten Spielarten. In ihren Arbeiten der Malerei wird die oft vertikale Ausrichtung von alinearen, lebendigen Strukturen wird fraktal gebrochen durch vertikale „Einbrüche“ - Fragmente -, die das oszillierende Spannungsfeld des Bildraums noch potenzieren. Es tut sich ein experimenteller Raum auf, in den man eintaucht -Immersion als Aufbruch.

Monique Jansen arbeitet in der Malerei mit Acrylfarben, Ölkreiden und Ölsticks, oft mit metallischen und schillernden Farben.

Zur Website von Monique Jansen.

Bilder Ausstellung

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